Victor Queiroz Movies I

Victor Queiroz  Movies I Filmes, para ver e partilhar. Uma página de cinema para todos nós.
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06/09/2018

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10/26/2016

-----Publicação Bilingue - Bilingual Publication-----
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Sessão especial de justiça de Costa Gravas - Filme
Section spéciale (English title Special Section) by Costa Gravas - Movie
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Filme completo legendado ptb - Full movie
https://youtu.be/RARvX-ztxgQ
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Sessão especial de justiça - Um clássico filme politico de Costa Gravas, relata um atentado ocorrido em Paris na Segunda Guerra, sob ocupação alemã, quando a resistência assassina um militar alemão, exigindo os ocupantes que a Justiça francesa repare o crime executando franceses mesmo sem serem os autores do atentado. O Governo da França ocupada tinha uma soberania ficticia, um regime conhecido como a França de Vichy, com capital na cidade termal de Vichy, chefiado pelo Marechal Petain, tendo como Primeiro Ministro Pierre Laval.
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O regime de Vichy ficou na Historia como simbolo da vassalagem em relação ao ocupante. Necessitanto dar uma aparencia de justiça à pura e simples execução de cidadãos franceses como represalia ao atentado contra alemães, o tribunal de justiça de Vichy monta uma farsa, um tribunal de exceção para produzir um processo criminal com todo o ritual de legalidade para uma condenação politica dos que seriam executados como satisfação aos alemães. O filme relata a montagem dessa corte ignominiosa com todo o cerimonial, os salamaleques e o fingimento dos juizes que para poder condenar tiveram que violar principios de direito de tal forma universais que os proprios alemães acharam excessiva a farsa. Há uma cena em que um oficial alemão distinto, falando em francês fluente, reclama com o presidente do tribunal a aberração que é mudar regras e dispositivos até então usados para julgar crimes semelhantes, criando para isso normas retroativas e "invenções" doutrinarias, tornando crime o que não era até então, usando a legalidade apenas como disfarce.
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O filme deixa patente que a violação mais elementar de principios universais de direito um tribunal construir novas interpretações para o mesmo delito que ao ser perpretado era julgado de outra forma, gerando na realidade uma punição retroativa ao torcer de tal forma o entendimento até este permitir a condenação, moldando a lei como massa de vidraceiro, dando-lhe a forma que se queira até extrair a condenação, uma interpretação ultra "extensiva" da lei penal que universalmente, em todos os codigos e principios é sempre "restritiva" como forma de dar um minimo de garantia aos reus, a interpretação da lei não podendo servir para aumentar a pena do reu.
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O filme ganhou o prémio de Melhor Director no Festival de Cinema de Cannes 1975, e foi nomeado para um Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro.
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Section spéciale é baseado no livro L'affaire de la Section spéciale de Hervé Villere.
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Director - Costa-Gavras
Produção - Gérard Crosnier
Argumento - Costa-Gavras, Jorge Semprún, Hervé Villeré
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Cinematografia - Andréas Winding
Edição - Françoise Bonnot
Tempo - 118 minutes
País - France
Lingua - French
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Elenco
Louis Seigner - Le garde des Sceaux
Roland Bertin - Le secrétaire général du ministère de la Justice
Michael Lonsdale - Le ministre de l'intérieur
Ivo Garrani - L'amiral
François Maistre - Le délégué général
Jacques Spiesser - Fredo
Henri Serre - Le délégué du ministère de l'intérieur en zone occupée
Heinz Bennent - Maj. Beumelburg
Pierre Dux - Le procureur général
Jacques François - Le procureur de l'Etat
Claudio Gora - Le premier président de la cour d'appel
Michel Galabru - Le président Cournet
Claude Piéplu - Le président de la section spéciale
Hubert Gignoux - Le juge en 'noir'
Jacques Ouvrier - Le conseiller
Alain Nobis - Le premier conseiller
Jean Bouise - Le conseiller Linais
Nathalie Roussel
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Special Session of justice - A classic political film Costa Gravas, reports an attack in Paris in World War II under German occupation, when the resistance killer a German military, demanding the occupants that the French Justice repair the crime running French even without being the perpetrators. The occupied France the Government had a fictitious sovereignty, a regime known as Vichy France, with capital in the spa town of Vichy, headed by Marshal Petain, with the Prime Minister Pierre Laval.
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The Vichy regime was in history as a symbol of vassalage in relation to the occupant. Necessitanto give an appearance of justice to the pure and simple execution of French citizens as retaliation to the attack on Germans, the Vichy court of law assembles a farce, an exception court to produce a criminal case with all legal ritual to a political conviction of which would be run as satisfaction to the Germans. The film tells the assembly that court with all the ignominious ceremony, the salaams and the pretense of the judges that in order to convict had to violate principles of law in such a universal way that the Germans own found excessive farce. There is a scene in which a distinguished German officer, speaking fluent French, complains to the presiding judge the aberration that is to change rules and devices previously used to prosecute such crimes, creating for this retroactive rules and "inventions" doctrinal, making crime what was previously using the legality only as a disguise.
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The film makes it clear that the most elementary violation of universal law principles a court building new interpretations for the same offense to be perpetrated was judged otherwise, generating in fact a retroactive punishment to twist such understanding to this permit condemnation, shaping the law as putty, giving it the shape that you want to extract the conviction, an ultra interpretation "extensive" criminal law universally, in all codes and principles is always "restrictive" as a way to a minimum guarantee to reus, the interpretation of the law can not serve to increase the penalty for reu.
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The film won the award for Best Director at the Cannes Film Festival 1975 and was nominated for a best foreign film Golden Globe.
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Section spéciale is based on the book L'affaire de la Section spéciale Hervé Villere.
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Director - Costa-Gavras
Production - Gérard Crosnier
Argument - Costa-Gavras, Jorge Semprun, Hervé Villere
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Cinematography - Andreas Winding
Edition - Françoise Bonnot
Time - 118 minutes
Country - France
Language - French
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Cast
Louis Seigner - Le garde des Sceaux
Roland Bertin - Le secrétaire général du ministère de la Justice
Michael Lonsdale - Le ministre de l'intérieur
Ivo Garrani - Amiral
François Maistre - Le général délégué
Jacques Spiesser - Fredo
Henri Serre - Le délégué du ministère de l'intérieur en zone occupée
Heinz Bennent - Maj. Beumelburg
Pierre Dux - Le Procureur général
Jacques François - Le Procureur de l'Etat
Claudio Gora - Le premier président de la cour d'appel
Michel Galabru - Le président Cournet
Claude Piéplu - Le président de la section spéciale
Hubert Gignoux - Le juge en 'noir'
Jacques Ouvrier - Le conseiller
Alain Nobis - Le premier conseiller
Jean Bouise - Le conseiller Linais
Nathalie Roussel

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09/15/2016

⭐⭐⭐⭐Publicação Bilingual 🇵🇹️ 🇬🇧️ Bilingual Publication⭐⭐⭐⭐
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🇵🇹 A História do Cinema
🇬🇧 The History of Cinema
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Estabelecer marcos históricos é sempre perigoso e arbitrário, particularmente, no campo das artes. Inúmeros factores concorrem para o estabelecimento de determinada técnica, seu emprego, práticas associadas e impacto numa ordem cultural. Aqui serão apresentados alguns, no intuito de melhor conhecer esta complexa manifestação estética a qual muitos chamam de a 7ª Arte. De facto, a data de 28 de Dezembro de 1895, é especial no que refere ao cinema, e sua história. Neste dia, no Salão Grand Café, em Paris, os Irmãos Lumière fizeram uma apresentação pública dos produtos do seu invento ao qual chamaram Cinematógrafo. O evento causou comoção nos 30 e poucos presentes, a notícia alastrou se e, em pouco tempo, este fazer artístico conquistaria o mundo e faria nascer uma indústria multibilionária. O filme exibido foi L'Arrivée d'un Train à La Ciotat.
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"Le Sortie de l'usine Lumière à Lyon", dos Irmãos Lumière
Hoje em dia, o cinema baseia-se em projecções públicas de imagens animadas. O cinema nasceu de várias inovações que vão desde o domínio fotográfico até à síntese do movimento utilizando a persistência da visão com a invenção de jogos ópticos. Entre os jogos óticos inventados vale a pena destacar o thaumatrópio (inventado entre 1820 e 1825 por William Fitton), fenacistoscópio (inventado em 1829 por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau), zootropo (em 1834 por Will George Horner) e praxinoscópio (em 1877. Em 1888, Émilie Reynaud melhorou a sua invenção e começou a projectar imagens no Musée Grévin durante 10 anos.
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Em 1876, Eadweard Muybridge fez uma experiência: primeiro colocou 12 e depois 24 cameras fotográficas ao longo de um hipódromo e tirou várias fotos da passagem de um cavalo. Ele obteve assim a decomposição do movimento em várias fotografias e através de um zoopraxiscópio pode recompor o movimento.
Em 1882, Étienne-Jules Marley melhorou o aparelho de Muybridge.
Em 1888, Louis Aimée Augustin Le Prince filmou uma cena de cerca de 2 segundos mas a fragilidade do papel utilizado fez com que a projeção ficasse inadequada.
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William Kennedy Laurie Dickson, chefe engenheiro da Edison Laboratories, inventou uma tira de celuloide contendo uma sequencia de imagens que seria a base para a fotografia e projeção de imagens em movimento.
Em 1891, Thomas Edison inventou o cinetógrafo e posteriormente o cinetoscópio. O último era uma caixa movida a electricidade que continha a película inventada por Dickson mas com funções limitadas. O cinetoscópio não projetava o filme.
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Programa da primeira exibição
Baseado na invenção de Edison, Auguste e Louis Lumière inventaram o cinematógrafo, um aparelho portátil que consistia num aparelho tres em um (máquina de filmar, de revelar e projetar). Em 1895, o pai dos irmãos Lumière, Antoine, organizou uma exibição pública paga de filmes no dia 28 de dezembro no Salão do Grand Café de Paris. A exposição foi um sucesso. Este dia, data da primeira projeção pública paga, é sobejamente conhecida como o nascimento do cinema mesmo que os irmãos Lumière não tenham reivindicado para si a invenção de tal feito. Porém, as histórias americanas atribuem um maior peso a Thomas Edison pela invenção do cinema, quando na verdade o que ele fez foi pegar em pequenos vídeos e exibi-los em maquinas caça-níquel, e para não perder tal fonte lucrativa sempre foi contra a exibição dos filmes em grandes salas.
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Os irmãos Lumière enviaram ao mundo, a fim de apresentar pequenos filmes, os primeiros registos como um início do cinema amador. "Sortie de l'usine Lumière à Lyon" (ou "Empregados deixando a Fábrica Lumière") é tido como o primeiro audiovisual exibido na história, sendo dirigido e produzido por Louis Lumière. Do mesmo ano, ainda dos irmãos Lumière o filme "The Sprinkler Sprinkled", uma pequena comédia. Menos de 6 meses depois, Edison projetaria o seu primeiro filme, "Vitascope".
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Cinema mudo ou nada
Desde o início, inventores e produtores tentaram casar a imagem com um som sincronizado. Mas nenhuma técnica deu certo até a década de 20. Assim sendo, durante 30 anos os filmes eram praticamente silenciosos sendo acompanhados muitas vezes de música ao vivo, outras vezes de efeitos especiais e narração e diálogos escritos presentes entre cenas. Tendo destaque para Charles Chaplin, considerado uma das figuras mais importantes no cinema mudo.
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Desenvolvimento e negócio
O ilusionista francês, Georges Méliès começou a exibir filmes em 1896, quando ganhou uma "filmadora". Ele foi pioneiro em alguns efeitos especiais. Seu filme "Le Voyage dans la Lune" (ou "Viagem à Lua") de apenas 14 minutos foi provavelmente o primeiro a tratar sobre o assunto de alienígenas.
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Edwin S. Porter que se tornou cameraman de Thomas Edison usou pela primeira vez a técnica de edição de imagens. Em seu filme "Life of an American Fireman" de 1903 é possível ver duas imagens diferentes mas que ocorreram simultaneamente, a visão de uma mulher sendo resgatada por um bombeiro e a mesma cena com a visão do bombeiro resgatando a mulher.
Em "The Great Train Robbery" (1903), um dos primeiros westerns do cinema, o grande legado foi o "cross-cutting" com imagens simultaneas em diferentes lugares. Mas o mais importante em Porter, foi o final do filme "The Great Train Robbery" teve que ser mudado, por motivos morais e éticos, visto que originalmente os bandidos saiam se bem no final, o que passava uma ideia de impunidade ao povo, mostrava se a partir dai, um cinema "educador".
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O desenvolvimento de filmes fez crescer os nickelodeons, pequenos lugares de exibição de filmes onde se pagava o ingresso de 1 níquel, no qual se juntavam uma grande quantidade de pessoas, chamando a atenção da elite para o poder de influencia daquelas exibições. Os filmes também começaram a crescer em duração. Antes um filme durava de 10 a 15 minutos. Em 1906, o filme australiano "The Story of the Kelly Gang" tinha 70 minutos sendo lembrado até hoje como o primeiro longa metragem da história do cinema. Depois do filme australiano, a Europa começou a produzir filmes até mais longos: "Queen Elizabeth" (filme francês de 1912), "Quo Vadis?" (filme italiano de 1913) e "Cabiria" (filme italiano de 1914), este último com 123 minutos de duração.
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Em janeiro de 1914 foi exibido "Photo-Drama of Creation", um filme com mais de 8 horas de duração apresentado e narrado por Charles Taze Russell, fundador do movimento religioso dos Estudantes da Bíblia e da Sociedade Torre de Vigia. O Fotodrama consistia de um conjunto de slides com pinturas coloridas descrevendo o relato criativo bíblico desde a criação do Universo aos dias actuais, prolongando se pelos 1.000 anos futuros do reino de Jesus, segundo as crenças de Russell. Foi o primeiro filme a incluir som sincronizado e imagens coloridas. O filme consistia em 96 gravações de pequenos discursos bíblicos, narrados por um locutor bem conhecido da época. Muitas cenas eram acompanhadas por música clássica. Operadores habilidosos usavam fonógrafos para tocar as gravações de música e voz, sincronizando o som com slides e filmes coloridos que encenavam histórias da Bíblia.
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Pelo lado americano, o diretor D. W. Griffith conseguia destaque. Seu filme, "The Birth of a Nation" (ou "O Nascimento de uma nação") de 1915, foi considerado um dos filmes mais populares da época do cinema mudo, causou polémica porque foi mal-interpretado, onde um simples retrato da sociedade americana foi considerado uma glorificação da escravatura, segregação racial e promoção do aparecimento da Ku Klux Klan e Intolerance (1916) já "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (ou "Intolerância") é considerado uma das grandes obras do cinema mudo, apesar da grande massa não ter entendido a proposta de quatro historias simultâneas, achando o filme muito confuso.
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Hollywood
Até esta época, Itália e França tinham o cinema mais popular e poderoso do mundo mas com a Primeira Guerra Mundial, a indústria europeia de cinema foi arrasada. Os EUA começaram a destacar-se no mundo do cinema fazendo e importando diversos filmes. Thomas Edison tentou tomar o controle dos direitos sobre a exploração do cinematógrafo. Alguns produtores independentes emigraram de Nova York para a costa oeste para um pequeno povoado chamado Hollywoodland, graças a Griffith, que já o sugeria. Lá encontraram condições ideais para rodar: dias ensolarados quase todo ano, diferentes paisagens que puderam servir como locações e quase todos as etnias como, negros, brancos, latinos, indianos, índios orientais etc, um "banquete" de coadjuvantes. Assim nasceu a chamada "Meca do Cinema", e Hollywood se transformou se no mais importante centro da indústria cinematográfica do planeta.
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Nesta época foram fundados os mais importantes estúdios de cinema (Fox, Universal, Paramount) controlados por judeus (Daryl Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etc.) que viam o cinema como um negócio. Lutaram entre si e às vezes para competir melhor, juntaram empresas assim nasceu a 20th Century Fox (da antiga Fox) e Metro Goldwyn Meyer (união dos estúdios de Samuel Goldwyn com Louis Meyer). Os estúdios encontraram directores e actores e com isso nasceu o "star system", sistema de promoção de estrelas e com isso, de ideologias e pensamentos de Hollywood.
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Começaram a se destacar nesta época comédias de Charlie Chaplin e Buster Keaton, aventuras de Douglas Fairbanks e romances de Clara Bow. Foi o próprio Charles Chaplin e Douglas Fairbanks junto com Mary Pickford e David Wark Griffith que acabaram criando a United Artist com o motivo de desafiar o poder dos grandes estúdios.
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O cinema no mundo
"Des Cabinet der Dr. Caligari" (1919)
Em alternativa a Hollywood existiam vários outros lugares que investiam no cinema de arte e contribuiam para seu desenvolvimento.
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Na França, os cineastas entre 1919 e 1929 começaram um estilo chamado de Cinema Impressionista Francês ou cinema de vanguarda (avant garde em francês). Destacaram se nesta época o cineasta Abel Gance com seu filme épico "Napoleon" e "J’Accuse" e Jean Epstein com o seu filme "A queda da casa de Usher" de 1929, ainda se destaca Germaine Dulac de "La Souriante Madame Beudet". Ainda temos nesse movimento "A Moça da Água", de Jean Renoir, que mais tarde ajudaria a construir outra escola de cinema: Realismo Poético Francês.
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Na Alemanha surgiu o expressionismo alemão donde se destacam os filmes "Das Cabinet des Dr. Caligari" ("O gabinete do doutor Caligari") de 1920 do diretor Robert Wiene, "Nosferatu", "Phantom" ambos de 1922 e do diretor Friedrich Wilhelm Murnau e Metrópolis de Fritz Lang de 1927. Outros filmes de destaque são: "O Gabinete das Figuras de Cera" e "A Última Gargalhada".
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Na Espanha surgiu o cinema surrealista donde se destacou o director Luis Buñuel. "Un Perro andaluz" (ou "Um Cão Andaluz" em português) de 1928 foi o filme que mais representou o cinema surrealista de Buñuel. Destaca-se ainda: "A Idade do Ouro".
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Na Rússia destacou se o cineasta Serguei Eisenstein que criou uma nova técnica de montagem, chamada montagem intelectual ou dialéctica. Seu filme de maior destaque foi "O Couraçado Potemkin" de 1925. Já Dziga Vertov, de "O Homem com a Camera" se propôs a um documentário sofisticado, chamado "Cine-Olho". Outros filmes de arte russos de destaque são: "Aelita" e "Terra".
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O dinamarquês Carl Theodor Dreyer, roda "Le Passion de Jeanne D'arc", um filme mudo de 1928 com a atriz Maria Falconetti no papel de Joana. Considerado por alguns um dos melhores filmes de todos os tempos. O filme dá valor à expressão facial. Foi filmado na italia
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Infelizmente, cerca de 90% dos filmes mudos perderam se, por falta de cuidado ou de boa conservação.
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De facto, a maioria dos filmes mudos foi derretida a fim de recuperarem o nitrato de prata, um componente caro.
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A era do som
Até então já haviam sido feitas experiencias com som mas com problemas de sincronização e amplificação.
Em 1926, a Warner Brothers introduziu o sistema de som Vitaphone (gravação de som sobre um disco) até que em 1927, a Warner lançou o filme "The Jazz Singer", um musical que pela primeira vez na história do cinema tinha alguns diálogos e cantorias sincronizados aliados a partes totalmente sem som; então em 1928 o filme "The Lights of New York" ,(também da Warner), se tornaria o primeiro filme com som totalmente sincronizado. O som gravado no disco do sistema Vitaphone foi logo substituído por outro sistema como o Movietone da Fox, DeForest Phonofilm e Photophone da RCA com sistema de som no próprio filme.
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O Beijo, lançado em 1929 e protagonizado pela actriz sueca Greta Garbo, foi o último filme mudo da MGM e o último da história de Hollywood, com exceção de duas jóias raras de Chaplin: Luzes da Cidade e Tempos Modernos.
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No final de 1929, o cinema de Hollywood já era quase totalmente falado. No resto do mundo, por razões económicas, a transição do mudo para o falado foi feito mais lentamente. Neste mesmo ano foram lançados grandes filmes falados como "Blackmail" de Alfred Hitchcock (o primeiro filme inglês falado), "Applause" do director Rouben Mamoulian (um musical em preto e branco) e "Chinatown Nights" de William Wellman (mesmo director de "Nasce uma estrela" de 1937). Foi também no ano de 1929 criado o prémio Oscar ou Prémios da Academia que serve até aos dias de hoje como entidade que premeia os melhores do cinema.
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Criatividade
O uso do som fez com que o cinema se diversificasse mais em termos de géneros. Dessa nova tecnologia nascia o musical e também algumas comédias. E do casamento dos dois surgia a comédia musical.
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Anos 30
"Gone With the Wind" de Victor Fleming.
Filmes históricos ou bíblicos na maioria das vezes caminharam de mãos dadas. Entre os que misturavam este dois géneros se destacaram "Os dez mandamentos" (versão original de 1923), "Rei dos Reis" de 1932 e Cleópatra de 1934.
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Filmes de gangsters tornaram se populares como por exemplo "Little Caesar" e "The Public Enemy" ambos de 1931. Este tipo de filme foi fortemente influenciado pelo Expressionismo Europeu. Talvez o actor que mais se destacou neste género foi Humphrey Bogart.
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O género ficção cinetífica já existente desde o cinema mudo foi se desenvolvendo cada vez mais com a produção de clássicos como "Drácula" (com Bela Lugosi) de 1931 e "Frankenstein" (com Boris Karloff) do mesmo ano.
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O duplo sentido com conotações sexuais de Mae West em "She Done Him Wrong" de 1933. A comédia anarquica sem sentido dos Irmãos Marx.
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Em 1939 os maiores êxitos do cinema foram "O Feiticeiro de Oz" e o "Gone with the Wind."
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Na Itália foi criada a Cinecittà por ordem de Mussolini em 1937.
Na América Latina destacaram se o mexicano Cantinflas e a luso-brasileira Carmem Miranda. Carmem Miranda estreou no filme "Alô, Alô Carnaval" de 1936 mas conseguiria sucesso internacional na década seguinte actuando em Hollywood.
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Anos 40
A Segunda Guerra Mundial fez com que a Inglaterra e Estados Unidos produzissem vários filmes com apelo patriota e que serviram de propaganda de guerra. Havia também já no final da guerra filmes antinazis. Entre os filmes que retrataram a época da guerra destacou se o popular "Casablanca" de 1943 com o actor Humphrey Bogart.
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No começo da década, o director Orson Welles lançou o filme "Citizen Kane" (em Portugal, "O Mundo a seus Pés"; com inovações como ângulos de filmagem e narrativa não linear.
Em 1946, o director Frank Capra lançou o filme "It's a wonderful life". Ambos os filmes estão classificados entre os melhores de todos os tempos.
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No ano de 1947, o Comité de Segurança dos Estados Unidos fez a primeira lista negra de Hollywood acusando 10 directores e escritores de promover propaganda comunista.
Os filmes "Mission to Moscow" e "Song of Russia" foram considerados propaganda pró-soviética.
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Na Itália nascia o Neorrealismo como reação ao cinema fascista do regime de Mussolini, e buscava a máxima naturalidade, com actores não profissionais, iluminação natural e com uma forte crítica social. Considera se inaugurado o género com "Roma, cidade aberta" (de 1945), ainda que, também se considera como seu maior representante "Ladrão de bicicletas" de Vittorio de Sica.
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Anos 50
O Comité de Segurança amplia a lista suspeita incluindo directores, actores e escritores incluindo até mesmo Charles Chaplin.
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Os filmes 3-D porém duraram pouco tempo, de 1952 até 1954 dentre os quais se destacou o filme "House of Wax" de 1953.
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O cineasta Akira Kurosawa projecta mundialmente o cinema japonês com os filmes "Rashomon" e "Shichinin no Samurai", também se destaca Kenji Mizoguchi ("Ugetsu monogatari") e Yasujiro Ozu ("Tokyo monogatari ").
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No final da década de 1950 surgia na França o movimento Nouvelle Vague no qual se destacaram Claude Chabrol, Jean-Luc Godard ("O Acossado") e François Truffaut ("Os Incompreendidos").
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Marilyn Monroe destaca se como actriz e símbolo sexual feminino nas obras de Billy Wilder em "The Seven Year Itch", de 1955 e "Some Like it Hot", de 1959.
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O cinema da Índia era produzido em grande escala, mas no ano de 1955 pela primeira vez ganhou reconhecimento internacional com o filme "Pather Panchali" (ou "A canção do caminho").
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O cineasta sueco Ingmar Bergman ganha projeção internacional como um dos maiores cineastas de todos os tempos com as obras-primas "Det Sjunde Inseglet" e "Smultronstället", ambas do ano de 1957.
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Alfred Htichcock lança "Vertigo", considerado um dos maiores êxitos do cinema.
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Anos 60
Nos anos 60 o sistema Hollywood começou a entrar em declínio. Muitas produções passaram a ser feitas em Pinewood Studios na Inglaterra e Cinecittà na Itália ficando fora de Hollywood. "Mary Poppins" de 1964 da Walt Disney Productions, "My Fair Lady" também de 64 e "The Sound of Music" de 1965 estão entre os filmes mais rentáveis da década.
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Iniciado pelo director John Cassavetes, o cinema americano passou a tomar novos rumos com a produção independente com orçamento reduzido.
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Na França o destaque ficou para "Jules et Jim" de 1962 de François Truffaut.
Na Itália foi o filme "La dolce Vita" de Federico Fellini de 1960.
Na Inglaterra o destaque ficou para o início da série de filmes de 007 com o filme "Dr.No" em 1962.
Na América Latina o maior destaque ficou por conta da Argentina e do director Fernando Solanas.
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Pensando o Cinema
História do pensamento cinematográfico - apontamentos.
Desde o momento em que o Cinema começou a dar os seus primeiros passos, os envolvidos com a nova prática já começavam a pensá-la teoricamente. Este primeiro momento, que pode ser chamado de tradição Formativa, pensou o Cinema a partir dos seus aspectos técnicos, principalmente no que tange à importância da montagem para uma película. O nome que se destaca nesse momento é o de Sergei Eisenstein, soviético. Segundo Quinsani:
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"(...) o autor central da categoria formativa, e que mais ganhou projeção, foi Sergei Eisenstein. Boa parte da sua reflexão está associada à execução das suas obras, que tiveram grande reverberação em todo o mundo. Os seus principais livros são: A forma do filme e o sentido do filme. Toda a sua reflexão gira em torno da montagem, considerada o eixo central da estruturação do fazer cinematográfico e da sua teorização. (...)".
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O predomínio desta forma de pensar o Cinema não duraria para sempre. Já a partir da década de 1920 se começa a perceber que o Cinema não pode ser pensado apenas através de elementos técnicos. Bela Balázs aponta que David Wark Griffith, com sua revolucionária técnica de montagem fragmentária de cenas, renovou a maneira de se contar histórias ao possibilitar novos direções para o olhar do espectador. Novas tecnologias também contribuíram para a evolução da imagem cinematográfica.
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A resposta contra a tradição Normativa amadureceu na segunda metade do século XX. Contra o caráter político que a tradição Formativa dava ao Cinema, passou se a argumentar que a realidade apreendida pela tela grande vinha antes de qualquer significado que se quisesse incutir em um filme. Siegfried Kracauer e André Bazin são os grandes nomes desse movimento. Kracauer
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"(...) Elabora o conceito de abordagem cinemática, na qual o cineasta tem em sua mente a intenção do registo do real e do registo cinematográfico desse real. O cinema só tende a perder o seu carácter específico quando é enquadrado como arte tradicional, pois esta só pode ser pensada a partir da transcendência pela imaginação daquilo que aborda. A realidade está mais explícita a partir do cinema na medida em que expressa os significados do mundo.(...)".
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André Bazin, na França, contribuiu para a criação de muitas das tendências teóricas que ainda vigoram.
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História da relação entre a História e o Cinema - apontamentos
Se Arthur Elton propôs pela primeira vez (em 1950) que o Cinema deveria ser posto no mesmo patamar das outras fontes históricas, foi somente em 1970 com Marc Ferro e seu artigo "O filme, uma contra-análise da sociedade?" que o assunto começou a entrar em discussão no ambito académico em larga escala. Ferro até mesmo nomeou esta nova frente de pesquisa de "sócio-história cinematográfica".
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Quinsani explica-nos que Ferro propôs para que se conseguisse ver o conteúdo latente dentro de um filme que "(...) a ideologia encontra-se na base de sustentação do conteúdo apresentado por um filme. Real e ficção se formam e transitam a partir destas bases. A análise do conteúdo aparente das suas imagens e sua crítica a partir do cruzamento de outras fontes, permite desvelar o conteúdo latente, a zona de realidade não-visível, composta pelos elementos transpostos conscientemente ou inconscientemente pelos realizadores do filme.(...)".
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Cansados dos mesmos filmes, críticos da conceituada revista francesa Cahiers du Cinema decidem colocar a mão na massa. Ou melhor, a camera nos ombros. A nova onda usa a seu favor as dificuldades técnicas para contar histórias simples, criando um estilo único. Filmes: Acossado (Jean-Luc Godard), Os Incompreendidos (François Truffaut).
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Década de 1980: Pedro Almodóvar
Com linguagem televisiva, beirando o folhetim, Almodóvar costura a sua filmografia de toques biográficos com o tema recorrente do desejo.
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Nova Geração
Capitaneados por Francis Ford Coppola e saídos da faculdade, os jovens Martin Scorcese, Brian De Palma, Steven Spielberg e George Lucas invadem Hollywood, trazendo muito lucro aos estúdios com filmes em que a violência e a rebeldia são a tónica. Filmes: O Padrinho (Francis F. Coppola), Taxi Driver (Martin Scorcese), Tubarão (Steven Spielberg).
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Blockbusters
Efeitos especiais levam fantasia e imaginação de volta ao cinema. O resultado: bilheterias astronómicas, seqüencias milionárias e o futuro da sétima arte. A tecnologia, cada vez mais presente nos equipamentos e nas telas, permite até driblar ataques de estrelismo, usando actores virtuais. Filmes: E.T. (Steven Spielberg), Titanic (James Cameron), a trilogia Senhor dos Anéis (Peter Jackson), as animações da Pixar.
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History of Cinema
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Establish landmarks is always dangerous and arbitrary, particularly in the arts. Numerous factors contribute to the establishment of certain technique, its use, associated practices and impact in a cultural order. Here we are presented some, in order to better understand this complex aesthetic manifestation which many call the 7th Art. In fact, the date of December 28, 1895, is particularly in relation to cinema and its history. On this day, in the Hall Grand Café in Paris, the Lumière Brothers made a public presentation of the products of his invention to which called Cinematograph. The event caused a stir in the 30's gifts, the news spread up and, before long, this artistic production conquer the world and would be born a multibillion-dollar industry. The film was shown L'Arrivée d'un Train at La Ciotat.
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"Le Sortie de l'usine Lumière in Lyon," the Lumière Brothers
Nowadays, film based on public projections animated images. The film was born from several innovations ranging from the photographic area by the movement of the synthesis using persistence of vision with the invention of optical games. Among the invented optical games worth highlighting the thaumatrópio (invented between 1820 and 1825 by William Fitton), phenakistoscope (invented in 1829 by Joseph Antoine Ferdinand Plateau), Zoetrope (in 1834 by Will George Horner) and praxinoscope (in 1877. in 1888, Émilie Reynaud improved his invention and began to project images in the Musée Grevin for 10 years.
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In 1876, Eadweard Muybridge did an experiment: put first 12 and then 24 cameras shooting along a race track and took several pictures of the passage of a horse. It has thus obtained the decomposition of multiple moving pictures and through a Zoopraxiscope may compose motion.
In 1882, Étienne-Jules Marley improved Muybridge set.
In 1888, Louis Aimée Augustin Le Prince filmed a scene about 2 seconds but the fragility of the paper used made the projection stay inadequate.
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William Kennedy Laurie Dickson, chief engineer of the Edison Laboratories, invented a celluloid strip containing a sequence of images that would be the basis for photography and moving image projection.
In 1891, Thomas Edison invented the cinetógrafo and later the Kinetoscope. The latter was a box powered by electricity that contained the film invented by Dickson but with limited functions. The Kinetoscope not projected the film.
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First Airing
Based on Edison's invention, Auguste and Louis Lumière invented the cinematograph, a portable device consisting of a three unit in a (camcorder, revealing and design). In 1895, the father of the Lumière brothers, Antoine, organized a public exhibition paid movies on 28 December in the Hall of the Grand Café de Paris. The exhibition was a success. This day, the first public projection date paid, is well known as the birth of cinema even if the Lumière brothers have not claimed for itself the invention of such a feat. But the American stories give greater weight to Thomas Edison for the invention of cinema, when in fact what he did was pick up on short videos and display them in slot machines, and not to lose such a lucrative source was always against exhibition of movies in large rooms.
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The Lumière brothers sent into the world, to present short films, the first records as a beginning of amateur cinema. "Sortie de l'usine Lumière in Lyon" (or "Employees leaving the Lumière Factory") is seen as the first audiovisual show in history, being directed and produced by Louis Lumière. In the same year, even the Lumière brothers film "The Sprinkler Sprinkled" a little comedy. Less than 6 months later, Edison would design his first film, "Vitascope."
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silent film or nothing
From the beginning, inventors and producers tried to match the picture with synchronized sound. But no technique worked until the decade of 20. So, for 30 years, the films were virtually silent and often accompanied by live music, sometimes special effects and narration and present written dialogues between scenes. Having especially Charles Chaplin, considered one of the most important figures in silent film.
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Development and business
The French illusionist Georges Méliès began to show films in 1896 when won a "camcorder". He pioneered some special effects. His film "A Trip to the Moon" (or "Trip to the Moon") of only 14 minutes was probably the first to treat on the subject of aliens.
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Edwin S. Porter that became cameraman Thomas Edison first used the image editing technique. In his film "Life of an American Fireman" 1903 is possible to see two different images but that have occurred simultaneously, the sight of a woman being rescued by a fireman and the same scene with the vision of firefighter rescuing a woman.
In "The Great Train Robbery" (1903), one of the first westerns film, the great legacy was the "cross-cutting" with simultaneous images in different places. But the most important in Porter, was the end of the film "The Great Train Robbery" had to be changed, for moral and ethical reasons, as originally the bad guys come out well in the end, passing an idea of impunity to the people, showed up from there an "educator" cinema.
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The development of films has increased the nickelodeon, small cinema exhibition places where paid 1 nickel ticket, which gathered a lot of people, calling the elite of attention to the power of influence of those views. The films also began to grow in length. Before a film lasted 10 to 15 minutes. In 1906, the Australian film "The Story of the Kelly Gang" was 70 minutes and remembered to this day as the first feature film in cinema history. After the Australian film, Europe began to produce even longer movies: "Queen Elizabeth" (French film of 1912), "Quo Vadis?" (Italian film of 1913) and "Cabiria" (Italian film of 1914), the latter with 123 minutes long.
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In January 1914 it was shown "Photo-Drama of Creation," a film with more than 8 hours long presented and narrated by Charles Taze Russell, founder of the religious movement of Students of the Bible and the Watchtower Society. The Photo-Drama consisted of a set of slides with colorful paintings depicting biblical creative account since the creation of the universe to the present day, extending to the 1000 future years of Jesus' kingdom, according to Russell's beliefs. It was the first film to include synchronized sound and color images. The film consisted of 96 recordings of small Bible talks, narrated by a well-known announcer of the time. Many scenes were accompanied by classical music. skilled operators used phonographs to play the music and voice recordings, synchronizing the sound with slides and colorful films that staged Bible stories.
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On the American side, the director D. W. Griffith could highlight. His film, "The Birth of a Nation" (or "The Birth of a Nation") of 1915, was considered one of the most popular films of the silent film era, caused controversy because it was misunderstood, where a simple picture of society American was considered a glorification of slavery, racial segregation and promoting the emergence of the Ku Klux Klan and Intolerance (1916) already "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (or "Intolerance") is considered one of the great works of the silent film, despite the great mass did not understand the proposal of four simultaneous stories, thinking very confusing movie.
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Hollywood
Until this time, Italy and France were the most popular cinema and powerful in the world but with the First World War, the European film industry was devastated. The US began to stand out in the world of film making and importing several films. Thomas Edison tried to take control of the rights to the exploitation of the cinematograph. Some independent producers emigrated from New York to the West Coast for a small village called Hollywoodland, thanks to Griffith, who already suggested. There they found ideal conditions to run: sunny days almost every year, different landscapes that could serve as locations and almost all the ethnic groups as blacks, whites, Latinos, Indians, East Indians etc., a "banquet" of adjuncts. Thus was born the so-called "Mecca of Cinema", and Hollywood has turned into the most important center of the film industry on the planet.
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At this time they were founded the major film studios (Fox, Universal, Paramount) controlled by Jews (Daryl Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etc.) who saw the film as a business. They fought among themselves and sometimes to compete better, companies together thus was born the 20th Century Fox (the former Fox) and Metro Goldwyn Meyer (union of Samuel Goldwyn studios with Louis Meyer). The studios met directors and actors and thus was born the "star system", star promotion system and thus, ideologies and thoughts of Hollywood.
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They began to stand out this time comedies of Charlie Chaplin and Buster Keaton, Douglas Fairbanks adventures and Clara Bow novels. It was the own Charles Chaplin and Douglas Fairbanks with Mary Pickford and David Wark Griffith ended up creating a United Artist with the motive to challenge the power of the big studios.
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The cinema in the world
"Des der Cabinet Dr. Caligari" (1919)
Alternatively Hollywood there were several other places that investing in art cinema and were contributing to its development.
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In France, the filmmakers between 1919 and 1929 started a style called French Impressionist Cinema or avant-garde cinema (avant garde in French). They highlighted if this time the filmmaker Abel Gance with his epic film "Napoleon" and "J'Accuse" and Jean Epstein with his film "The Fall of the House of Usher" 1929, still stands Germaine Dulac "La Souriante Madame Beudet ". We still have this movement "The Water Girl" by Jean Renoir, who later would help to build another school of cinema: Poetic Realism French.
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Germany emerged German Expressionism where stand the films "The Cabinet of Dr. Caligari" ( "The Doctor Caligari's cabinet") 1920 director Robert Wiene, "Nosferatu", "Phantom" both 1922 and director Friedrich Wilhelm Murnau and Fritz Lang Metropolis 1927. Other prominent films are: "The Cabinet of Wax Figures" and "The Last Laugh".
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Spain came surrealist film where stood the director Luis Buñuel. "Un Andalusian Perro" (or "Un Chien Andalou" in Portuguese), 1928 was the film that best represented the Surrealist film Buñuel. It stands still: "The Golden Age."
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Russia said the filmmaker Sergei Eisenstein who created a new assembly technique, called intellectual assembly or dialectics. His most notable film was "The Battleship Potemkin" of 1925. It Dziga Vertov, of "The Man with the Camera" proposed a sophisticated documentary, called "Cine-Eye." Other prominent Russian art films are: "Aelita" and "Earth".
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The Dane Carl Theodor Dreyer, wheel "Le Passion de Jeanne d'Arc", a silent film from 1928 with Maria Falconetti actress in the role of Jane. Considered by some of the best films of all time. The film gives value to facial expression. It was filmed in italy
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Unfortunately, about 90% of silent films have been lost, for lack of care or preservation.
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In fact, most of the silent films was melted in order to recover silver nitrate, an expensive component.
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The sound was
Until then they had been made experiments with sound but with synchronization and amplification problems.
In 1926, Warner Brothers introduced the sound system Vitaphone (sound recording on a disc) until in 1927, Warner released the film "The Jazz Singer," a musical for the first time in the history of cinema had some dialogues and synchronized singing combined with parts completely without sound; then in 1928 the film "The Lights of New York" (also from Warner), would become the first film with fully synchronized sound. The sound recorded on Vitaphone system disk was soon replaced by another system as the Movietone of Fox, DeForest Phonofilm and RCA Photophone with sound system in the film itself.
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The Kiss, released in 1929 and played by Swedish actress Greta Garbo was the last silent film of MGM and the last of Hollywood history, with the exception of two rare gems of Chaplin: City Lights and Modern Times.
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At the end of 1929, the Hollywood cinema was almost entirely spoken. Elsewhere in the world, for economic reasons, the transition from silent to talking was done more slowly. In the same year they were released large talkies like "Blackmail" Alfred Hitchcock (the first spoken English movie), "Applause" the director Rouben Mamoulian (a musical in black and white) and "Chinatown Nights" William Wellman (same director "a star is born" 1937). It was also in 1929 created the Oscar or Academy Awards award that serves to the present day as an entity that rewards the best of cinema.
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creativity
The use of sound caused the film to diversify more in terms of gender. This new technology was born the musical and also some comedies. And the marriage of the two came the musical comedy.
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30 years
"Gone With the Wind" by Victor Fleming.
historical or biblical movies most often gone hand in hand. Among those who mixed these two genres they stood out "The Ten Commandments" (original version 1923), "King of Kings" in 1932 and Cleopatra 1934.
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gangster movies have become popular such as "Little Caesar" and "The Public Enemy" both from 1931. This type of film was heavily influenced by European Expressionism. Perhaps the player that stood out in this genre was Humphrey Bogart.
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The genre fiction relevant scientific existing since the silent film has been developing increasingly to the production of classics like "Dracula" (with Bela Lugosi) of 1931 and "Frankenstein" (Boris Karloff) the same year.
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The double meaning with sexual connotations of Mae West in "She Done Him Wrong" 1933. Comedy anarchic nonsense of the Marx Brothers.
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In 1939 the greatest successes of the film were "The Wizard of Oz" and "Gone with the Wind."
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Italy was created Cinecittà in order of Mussolini in 1937.
In Latin America highlighted the Mexican Cantinflas and Luso-Brazilian Carmen Miranda. Carmen Miranda debuted in the film "Hello, hello Carnival" 1936 but could international success in the next decade acting in Hollywood.
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40
The Second World War made England and the United States produce several films with patriotic appeal and served as war propaganda. There were also at the end of the war anti-Nazi films. Among the films that portrayed the time of the war highlighted the popular "Casablanca" 1943 with actor Humphrey Bogart.
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At the beginning of the decade, the director Orson Welles released the film "Citizen Kane" (in Portugal, "The World at your Feet", with innovations such as camera angles and non-linear narrative.
In 1946, director Frank Capra released the film "It's a wonderful life." Both films are rated among the best of all time.
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In 1947, the US Security Committee made the first Hollywood blacklist accusing 10 directors and writers to promote communist propaganda.
The films "Mission to Moscow" and "Song of Russia" were considered pro-Soviet propaganda.
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Italy Neorealism was born as a reaction to the fascist cinema Mussolini's regime, and was seeking the maximum naturalness, with nonprofessional actors, natural lighting and with a strong social criticism. Considers it opened the genre with "Rome, Open City" (1945), although also is considered as his most representative "Bicycle Thief" by Vittorio de Sica.
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50's
The Security Committee extends the suspect list including directors, actors and writers including even Charles Chaplin.
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The 3-D films but lasted a short time, from 1952 to 1954 among which stood out the film "House of Wax" 1953.
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The filmmaker Akira Kurosawa world projects the Japanese cinema with the film "Rashomon" and "Shichinin the Samurai" also stands Kenji Mizoguchi ( "Ugetsu") and Yasujiro Ozu ( "Tokyo Story").
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At the end of the 1950s arose in France the Nouvelle Vague movement in which stood out Claude Chabrol, Jean-Luc Godard ( "Breathless") and François Truffaut ( "The Misunderstood").
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Marilyn Monroe stands out as an actress and female sex symbol in the works of Billy Wilder in "The Seven Year Itch", 1955 and "Some Like it Hot," 1959.
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The cinema of India was produced on a large scale, but in the year 1955 for the first time gained international recognition with the film "Pather Panchali" (or "The Song of the way").
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The Swedish filmmaker Ingmar Bergman gained international recognition as one of the greatest filmmakers of all time with the masterpieces "Det Sjunde inseglet" and "Smultronstallet", both from 1957.
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Alfred Htichcock launches "Vertigo," considered one of the greatest successes of the cinema.
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60's
In the 60s the Hollywood system began to decline. Many productions are now made at Pinewood Studios in England and Cinecittà in Italy getting out of Hollywood. "Mary Poppins" 1964 Walt Disney Productions, "My Fair Lady" also 64 and "The Sound of Music" from 1965 are among the most profitable films of the decade.
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Started by director John Cassavetes, American cinema began to take new directions with independent production with a reduced budget.
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In France, the highlight was "Jules et Jim" 1962 François Truffaut.
Italy was the film "La Dolce Vita" by Federico Fellini 1960.
In England the highlight was the beginning of the series of 007 movies with the film "Dr.No" in 1962.
In Latin America the biggest highlight was of Argentina and director Fernando Solanas.
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Thinking Cinema
History of film thought - notes.
From the moment that the cinema began to take its first steps, those involved with the new practice were beginning to think it theoretically. The first, which can be called Formative tradition, thought the cinema from its technical aspects, especially with regard to the importance of mounting a film. The name that stands out at the moment is Sergei Eisenstein, Soviet. According Quinsani:
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"(...) The central author of the training category, and won more projection was Sergei Eisenstein. Much of his reflection is linked to the performance of their works, which had great reverberation throughout the world. His main books are :. the shape of the film and the direction of the film All his reflection revolves around the assembly, considered the core of the structure of film making and his theorizing (...). ".
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The predominance of this way of thinking the cinema would not last forever. Already from the 1920s are beginning to realize that the cinema can not be thought only through technical elements. Bela Balazs points out that David Wark Griffith, with its fragmented assembly technique revolutionary scenes, renewed the way of storytelling to enable new directions to the viewer's gaze. New technologies have also contributed to the evolution of the cinematic image.
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The response to the Normative tradition matured in the second half of the twentieth century. Against the political character that the Formative tradition gave the cinema, he went to argue that the reality perceived by the big screen came before any meaning if to instill in a movie. Siegfried Kracauer and Andre Bazin are the big names of this movement. Kracauer
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"(...) Develop the concept of cinematic approach, in which the director has in his mind the intention of the actual registration and cinematic record that real. The only film tends to lose its specific character when it is framed as traditional art because this can only be considered from the transcendence by the imagination of what it addresses. the reality is more explicit from the movie in that it expresses the meaning of the world. (...) ".
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André Bazin, France, contributed to the creation of many of the theoretical trends that are still in force.
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History of the relationship between History and Cinema - notes
If Arthur Elton first proposed (in 1950) that the cinema should be put on the same level of other historical sources, it was only in 1970 with Marc Ferro and his article "The film, a counter-analysis of society?" that it began to come under discussion in the academic scope on a large scale. Iron even named this new front of research "film socio-history."
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Quinsani explains that Iron proposed that if he could see the latent content within a film that "(...) the ideology is the base support of the content presented by a movie. Real and fiction form and pass the from these bases. the analysis of the apparent content of their images and their criticism from crossing from other sources, allows to reveal the latent content, the area of non-visible reality, composed of elements translated consciously or unconsciously by the film directors. ( ...) ".
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Tired of the same movies, critics of the prestigious French magazine Cahiers du Cinema decide to put their hands dirty. Or rather, the camera on his shoulders. The new wave uses to his advantage the technical difficulties to tell simple stories, creating a unique style. Movies: Breathless (Jean-Luc Godard), The Misunderstood (François Truffaut).
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1980: Pedro Almodóvar
With television language, bordering on the serial, Almodóvar sewing his filmography biographical touches with the recurring theme of desire.
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New generation
Captained by Francis Ford Coppola and out of college, the young Martin Scorsese, Brian De Palma, Steven Spielberg and George Lucas invade Hollywood, bringing much profit to studios with films in which violence and rebellion are the focus. Movies: The Godfather (Francis F. Coppola), Taxi Driver (Martin Scorsese), Jaws (Steven Spielberg).
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blockbusters
special effects lead fantasy and imagination back to the movies. The result: astronomical box office, millions sequences and the future of the seventh art. The technology increasingly present in equipment and screens, allows to circumvent stardom attacks using virtual actors. Movies: E.T. (Steven Spielberg), Titanic (James Cameron), the Lord of the Rings trilogy (Peter Jackson), the animations of Pixar.
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